viernes, 5 de enero de 2018

Cómo reforzar los colores del atardecer con la ayuda de Adobe Photoshop

Atardecer Iv

Si hacemos una fotografía de un atardecer tendremos seguro muchos más votos en las redes sociales. Los tonos cálidos son los favoritos de los espectadores. Hoy vamos a ver una técnica más para conseguir que los colores cálidos sean lo más parecidos a la pura realidad con ayuda de Adobe Photoshop.

El color es uno de los apartados más complicados de la postproducción digital. Hay miles de técnicas posibles, unas más complicadas que otras. La que vamos a ver hoy parte, como tantas cosas, de las máscaras de luminosidad. Si las usamos sabiamente vamos a poder pintar directamente para conseguir potenciar los tonos cálidos (o los que queramos).

No es el único método ni el mejor. Es uno más de los muchos posibles. La ventaja es que con este podemos controlar con mucha precisión donde pintamos o aumentamos la saturación sin miedo a caer en un pastiche. Como siempre, hay que estar pendiente del histograma para evitar perder información.

Atardecer Iii Como sale de cámara

Antes de contar la técnica en cuestión, vamos a recordar las cosas que podemos hacer para conseguir que los tonos apagados de un archivo RAW despierten y empiecen a llamar la atención de nuestros futuros espectadores.

Cómo mejorar los colores del atardecer en Adobe Camera RAW

En Adobe Camera RAW siempre es mejor hacer ajustes generales. El tema del color se puede controlar con distintas herramientas o pestañas. Pero la que va a marcar la diferencia es el Equilibrio de blancos. Con este parámetro vamos a decidir la temperatura de color. Si queremos tonos más cálidos o más fríos.

También tenemos la pestaña HSL/Escala de grises donde controlaremos el Tono, la Saturación y la Luminosidad, pero de una forma no muy precisa. Es difícil distinguir cuándo considera que el Naranja se convierte en Amarillo o deriva al Verde. Es cuestión de matices pero puede que nos de problemas en algunas fotografías. Y sobre todo es un ajuste global. Si queremos solo subir los colores del atardecer no podremos evitar subir los tonos cálidos de los vestidos, como ocurre en la fotografía de ejemplo.

Otra opción es Dividir tonos. Aquí es posible dar un tono cálido a las luces y subir la Saturación para que domine la escena. Pero de nuevo nos puede dar problemas por afectar a zonas que realmente no queremos tocar. Siempre tendremos el mismo problema en Adobe Camera RAW salvo que trabajemos con el Pincel de ajuste. Pero ya sabéis que la precisión no es su fuerte a pesar de los primeros intentos de las famosas máscaras de rango, que todavía están en desarrollo.

Atardecer Ii Revelada en Adobe Camera RAW

Por último conviene recordar, que antes de empezar cualquier revelado, siempre podemos acudir a la pestaña Calibración de cámara. Y en Perfil de cámara elegir alguno que potencie los colores. Pero como hemos visto, siempre puede afectar a otros colores que preferiríamos que se mantuvieran en el más estricto anonimato.

Mejorar el color con ayuda de las máscaras de luminosidad.

En este caso no voy a hablar de las máscaras de saturación, una de las mejores técnicas para controlar la saturación o desaturación de los colores de una fotografía en concreto. La idea es conseguir aislar un color en concreto y pintar con la herramienta Pincel y un tono en concreto para reforzar el atardecer que vimos.

Hasta ahora hemos trabajado con las máscaras de luminosidad basándonos en la luminosidad del canal RGB. ¿Pero si trabajamos con los canales individuales? ¿Con el rojo, el verde y el azul? Imaginaos poder aislar la luminosidad de los colores y decidir libremente qué hacer con ellos... Pues eso vamos a hace aquí. Hay que estar atentos a todos los pasos. Puede parecer complicado, pero una vez entendido el proceso, lo utilizareis una y otra vez en vuestros trabajos.

Atardecer Iv Con la capa pintada
  1. Revelamos la fotografía con el objetivo que tenemos en mente. Reforzar los tonos del atardecer. Por ese motivo elijo Sombra en Equilibrio de blancos para que la Temperatura suba a 7500 K.
  2. Seguimos revelando como tengamos costumbre hasta conseguir un buen aspecto general. No es el momento de trabajar los ajustes zonales.
  3. Abrimos la fotografía en Adobe Photoshop como objeto inteligente. Ya sabéis, en la pestaña Opciones de flujo de trabajo, marcamos en el apartado Photoshop, la casilla Abrir en Photoshop como objetos inteligentes. Así tendremos siempre activo el botón Abrir objeto.
  4. Ya en Photoshop, después de hacer todos los ajustes zonales que queramos con ayuda de las máscaras de luminosidad o no, empezamos a trabajar el color. Si os fijáis, en la ventana Canales, tenemos el canal RGB y el Rojo, Verde y Azul.
  5. En este caso, si marcamos el Rojo (Ctrl+3) veremos la imagen en blanco y negro. En realidad estamos viendo la luminosidad del canal Rojo. Y eso es lo que queremos. Todo lo que esté blanco o gris tendrá distintas tonalidades del rojo. Y eso es justo lo que queremos.
  6. Si fuera necesario, podríamos hacer la máscara más restrictiva con ayuda de la técnica de creación de las máscaras de luminosidad. Por ejemplo, para hacer una máscara de luces rojas II solo tendríamos que crear la intersección del canal Rojo consigo mismo...
  7. Creamos una capa nueva en Capa>Nueva>Capa. Su Modo de fusión lo pasamos a Luz suave o Superponer. La clave es conseguir el contraste deseado. Es cuestión de gustos.
  8. Ahora elegimos alguno de los colores que ya tenemos del atardecer con la opción Configurar color frontal, con solo pinchar en el recuadro del Color Frontal de la barra de herramientas. Es importante que el Tamaño de muestra (está en la Barra de configuración de herramienta) sea amplio, en torno a 11x11. Yo he elegido el color del sol más próximo a sus cabezas. Si queremos, podemos buscar uno de otra fotografía que nos guste.
  9. Volvemos a la ventana Canales, marcamos el Rojo y hacemos clic en el icono Cargar canal como selección.
  10. Y con la Capa vacía seleccionada vamos pintando por las zonas que queramos hasta conseguir esos tonos que vimos en el momento del disparo. Y con la tranquilidad de no salirnos en ningún momento.
  11. Cuando terminemos no tenemos que olvidar ir a Selección>Deseleccionar (Ctrl+D).
Atardecer I Resultado final

Con más práctica podemos delimitar más la selección, incluso jugar con los modos de fusión y con los colores. Pero para empezar os aseguro que esta técnica es perfecta para darle ese extra de color a nuestra fotografía. Ya nos diréis cómo os sale.

En Xataka Foto| Consejos para un correcto y ordenado postprocesado fotográfico

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4 Kinds Of Bracketing You Can Do With Your Camera

Bracketing is a standard feature on nearly every camera produced these days, from high end mirrorless ILCs and DSLRs to point and shoot cameras to mobile devices. It used to be that bracketing referred exclusively to exposure, but now it’s something of an umbrella term that can apply to a number of other camera settings. Keep reading as we take a quick look at some of the uses of your camera’s bracketing functions.

Exposure Bracketing

Bracketing is the process of capturing multiple takes of the same scene, applying slightly different settings to each capture. So, in the case of exposure bracketing, you can set your camera to shoot typically between 3 to 5 shots, each at a different exposure. Lets say your camera is set up for 3-shot exposure bracketing. The first shot taken will be the baseline shot and each subsequent shot will be taken at one stop above and one stop below the baseline. In short, you’ll get one “correctly” exposed image, one slightly overexposed image and one slightly underexposed image. Of course, depending on what your camera allows, you can change the EV interval (+/- 1/3 or +/- 2/3, for example) and how many total exposures you want.

Why would you want to use exposure bracketing? Well, the primary reason has to do with dynamic range. Dynamic range in this case refers to the difference between the darkest and lightest areas of a scene — a bright sky and a not-so-bright foreground, for example. This is the type of scenario that a single photo generally won’t be able to handle. If you expose for the sky the foreground will be severely underexposed; if you expose for the foreground the sky will be blown out. But if you take three or more shots at different exposure values and then combine those individual images in post processing using the best bits of each, you will gain a final image that is perfectly exposed top to bottom.

One important note about exposure bracketing — you will get the best results if you use a tripod to keep your camera stationary. It’s possible to do it handheld, but you run the risk of ending up with misaligned shots.

Before and After Sansoucci, Potsdam, Germany
Photo by Harry Pherson on Flickr

Focus Bracketing

In the same way that exposure bracketing can create photos that exhibit greater dynamic range, focus bracketing can produce photos exhibit greater depth of field and detail — qualities that macro photographers are often in search of. Even when you use the minimum aperture (say, f/22), it still may not provide the breadth of focus you’re looking for. One solution to this is to use focus bracketing, a technique that works by capturing several images at different focal points along the subject. A tripod is necessary because you want to keep the subject in the same position throughout the shooting process. Exposure will be constant; only focus will change. There are currently only a small handful of cameras on the market that feature a focus bracketing option (including several of Olympus’ OM-D line of Micro Four Thirds bodies). Furthermore, to complete the bracketed image you will need to stack them in post-processing (the Olympus OM-D E-M1 can do this in-camera).

Hippo Baby, Zierrat, Gummi, bemalt
Photo by Eike Biel on Flickr. Image created by focus bracketing and stacking.

White Balance Bracketing

White balance bracketing allows you to take multiple images of a scene at various color temperatures. This might be useful in mixed lighting situations where auto white balance doesn’t work so well. If you’re shooting raw, however, you won’t need to bracket white balance as it can always be changed later.

White Balance Comparison
Photo by Stephen Rahn on Flickr

Flash Bracketing

With flash bracketing you can take several photos of a subject at varying levels of light intensity from a built-in (pop-up) flash or a speedlight. This can be useful particularly in lowlight settings when you aren’t sure what amount of flash will properly expose your photo. Flash bracketing is also used by some interior photographers to get perfectly lit rooms while keeping aperture and ISO constant.

Photo by William Bayreuther on Unsplash

Final Thoughts On Different Kinds Of Bracketing

Take a look through your camera settings and see what kinds of bracketing are available to you. In addition to those listed above you might find ISO bracketing, filter/scene bracketing, etc. While in-camera bracketing makes things convenient, don’t feel left out if your camera doesn’t automate one or more of these bracketing types — you can achieve the same things manually.

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Fotografía Macro Abstracta: Caso Práctico Paso a Paso

Te hemos hablado de la fotografía macro y de la fotografía abstracta de forma individual pero, ¿qué pasa cuando fusionamos ambas técnicas en una sola? Exacto, obtenemos la conocida como fotografía macro abstracta, enigmática, evocadora y experimental.

En este artículo te vamos a explicar en qué consiste, qué material necesitas y qué objetos puedes elegir para fotografiarlos. Además, realizaremos un caso práctico para que tú mismo lo hagas en casa. Vamos a 'cambiar el chip', a pensar en abstraer y luego en fotografiar... ¿Te atreves a probar? 


¿En qué Consiste la Fotografía Macro Abstracta?

Canon EOS 70d - 50.0mm · ƒ/5.6 · 1/125s · ISO 100

La fotografía macro abstracta consiste en capturar un objeto fotografiado de forma descontextualizada para que no sea reconocido de forma inmediata. Se trata de captar formas, líneas, curvas y texturas que tengan sentido en sí mismas de forma independiente, sin formar parte de un todo reconocible.

Cuando hablamos habitualmente de fotografía macro, nos referimos a fotografías que nos muestran la realidad desde cerca, que revelan hasta el más mínimo detalle. Lo que pretenden es explicar y mostrar. Sin embargo, para poder dedicarte a lo abstracto, tendrás que cambiar completamente ese planteamiento.

'Abstraer' significa descontextualizar, es decir, extraer un objeto o una idea para analizarla de forma aislada y considerarla en su pura esencia. Por eso, la fotografía macro abstracta consiste en explorar y no en explicar. Debemos centrarnos en transmitir un idea, en lugar de mostrarla.

¿Y todos estos conceptos teóricos como se traducen? Pues que en lugar de fotografiar una naranja y que todo el mundo vea una naranja en mi foto, debo intentar hacer una foto a la naranja sin que sea reconocible al primer vistazo. Deberé centrarme en captar, por ejemplo, su textura rugosa desde muy cerca, una curva o una protuberancia que destaque en su superficie.


¿Qué Materiales Necesito para Practicar Fotografía Macro Abstracta?

Para realizar fotografía macro abstracta necesitas algunos materiales imprescindibles y otros opcionales, que también te pueden venir genial para optimizar tu trabajo. Vamos a verlos todos:

  • Objetivo Macro: Necesitamos una lente que nos deje acercarnos lo máximo posible al sujeto u objeto fotografiado. Un objetivo macro es la opción ideal, en este artículo te hablamos de ellos y te recomendamos algunas opciones económicas. Ten en cuenta que en la fotografía abstracta solemos utilizar objetos inanimados como protagonistas, por lo que un objetivo de focal corta como un 60mm será suficiente. Podremos aproximarnos todo lo que queramos a nuestro objeto sin miedo a espantarlo, no como ocurre con los insectos o animales.
  • Trípode: Cuando hacemos fotografías de cerca necesitamos estabilidad extra. Cualquier vibración en la cámara puede suponer falta de nitidez y la ruina de nuestra foto. Por eso utiliza un trípode para colocar tu cámara y acercarte lo máximo que puedas al objeto fotografiado. Piensa que, si trabajas con líquidos o pintura, agradecerás también un poco más de seguridad para fijar tu cámara.
  • Disparador Remoto: De igual modo que el trípode te da estabilidad, si no tocas la cámara a la hora de realizar el disparo, obtendrás menor probabilidad de trepidación. Puedes usar el disparador automático de la cámara o bien, si dispones de él, un disparador remoto inalámbrico o por cable para hacer la captura cuando tú quieras.
  • Fondos de Colores: Cualquier cartulina de colores te servirá como fondo. Piensa que si te colocas cerca necesitarás una pieza pequeña, incluso el dibujo de una caja de galletas puede servirte. Si tienes pequeñas luces led no dudes en colocarlas alejadas detrás del objeto fotografiado para realizar bokeh en el fondo y conseguir fotos aún más espectaculares.
  • Fuentes de Iluminación Extra: Muchas veces una textura nos llama la atención, pero no tiene bastante volumen. Sin embargo, podemos enfatizar la tridimensionalidad de los elementos utilizando luces adicionales que incidan desde diferentes ángulos. Cualquier luz continua te sirve: una linterna, la luz del móvil, la lámpara de tu habitación. No importa si emiten luz cálida o fría, incluso las puedes combinar. Para rellenar o iluminar aprovechando la luz que ya tienes, puedes usar también un mini reflector o un espejo de tocador. Si no tienes, un trozo de papel de aluminio sobre una cartulina te puede servir como reflector.

¿Qué Puedo Fotografiar de Cerca de forma Abstracta?

Todo. Si, prácticamente todo puede ser fotografiado de forma abstracta, aunque hay elementos que pueden darte más juegos que otros. Lo que está claro es que la hora de fotografiar elementos de cerca podemos hacerlo de dos formas:

  • Creando la escena: Nosotros somos los que montamos el set con la iluminación y los elementos que queremos fotografiar. Por ejemplo, usando un vaso con un refresco con gas y hielo, o un plato con agua donde dejamos caer gotas de pintura o de aceite. Nos sirve para experimentar y probar a hacer todo lo que se nos pasa por la mente.
  • Buscando la escena: No controlamos el set, sino que nos adaptamos a las condiciones que la propia situación nos obliga a adoptar. Esto es más habitual que ocurra en exteriores, cuando fotografiamos en plena naturaleza o en la calle. En estos casos es más difícil tener una total libertad de movimientos, tanto del objeto fotografiado como de uno mismo.

Al componer tus fotografías macro abstractas no debes fijarte en el objeto sino en sus formas geométricas, sus curvas, la textura de su superficie, dejando de lado lo material. Como te he dicho, puedes fotografiarlo todo, aunque hay algunos elementos que pueden darte mucho juego:

NIKON D3200 - 85.0 mm f/10.0 1/320 s

  • Elementos Orgánicos: Nos referimos a flores, plantas, frutas, verduras, granos de café, granos de pimienta, líquidos como agua, leche, aceite, etc. Son los mejores elementos que podemos utilizar para empezar a practicar la fotografía macro abstracta, puesto que son fácilmente manejables y es sencillo descontextualizarlos. También puedes utilizar elementos inorgánicos como una taza de café, o el teclado de tu portátil, pero tendrás que esforzarte mucho más por variar el ángulo o la perspectiva para que no sea fácilmente reconocible.
  • Texturas: La caza de las texturas es una de las prácticas más utilizadas. Para encontrarlas debemos entrenar nuestro ojo para observar con mucha atención las superficies que nos rodean. Sobre todo, debemos fijarnos en cómo incide la luz sobre ellas, ya que será esencial para enfatizar sus formas o para aplanarlas. Aunque siempre podemos iluminar una textura nosotros con un foco de luz artificial, de los que te comentábamos antes. Fíjate en tu entorno: baldosas, papeles pintados, paredes, muros, árboles, pinturas descascarilladas, minerales, rocas, ropa, calzado, tejidos en general... Hay texturas interesantes por doquier.

La magia de la abstracción nos permite observar ese puñado de arena como si fueran en realidad las gigantes dunas de un desierto.


Fotografía Macro Abstracta: Un Caso Práctico Paso a Paso

Ahora que ya sabemos en qué consiste, el material que necesitamos y los elementos que podemos elegir para fotografiar, toca poner los conocimientos en práctica. Vamos a explicar cómo realizar un caso práctico de fotografía macro abstracta paso a paso. De este modo tú mismo la podrás practicar en tu casa con un objeto tan cotidiano como una fruta.

#1. Trabaja la Composición

NIKON D7100 - 60.0 mm f/13 1/5 s ISO 640

Como ves hemos elegido un kiwi, porque nos gusta mucho la textura que tiene tanto por fuera como por dentro. Por lo tanto, va a ser el protagonista de nuestra sesión abstracta. Ahora lo que tenemos que conseguir es que en las fotos que hagamos no veamos un kiwi, sino un color, una textura, una curva, una línea y no reconozcamos la fruta de un simple vistazo.

Por supuesto, puedes utilizar las reglas de composición básicas que ya conoces, como son la regla de los tercios, la proporción áurea, la regla de los impares, el rimo compositivo, el espacio negativo o la simetría dinámica. Ve probando todo lo que ya conoces y prueba también, como no, a romper las reglas.

#2. Usa el Enfoque Manual y una Apertura Baja

Cuando usas un objetivo macro es difícil controlar el enfoque, sobre todo si la textura o el objeto fotografiado no es plano. Para conseguir la mayor nitidez, debemos usar un número f alto, es decir, una apertura mayor a f/8 y enfocar de forma manual y no automática.

Aunque solo puedas enfocar una pequeña parte de la imagen, intenta buscar un punto de interés y enfocarlo para centrar en él toda la atención de la captura. Trata de que ese centro de interés sea lo más obvio posible y esté bien definido, que esté nítido solo debe servir para enfatizar su atención.

NIKON D7100 - 60.0 mm f/13 1/5 s ISO 640

#3. Comprueba la Exposición en el Histograma

Cuando usamos aperturas bajas y estamos muy cerca de nuestro objeto fotografiado, podemos encontrarnos con escenas de luz escasa, por eso es importante contar con la iluminación extra de la que te hablábamos al principio. Haz varias fotos y comprueba el histograma para saber si tus fotos están saliendo bien expuestas.

No tengas miedo de jugar con diferentes fuentes de luz, ni de mezclar luces cálidas con luces frías. De hecho, tampoco descartes la posibilidad de sobreexponer ligeramente este tipo de fotografías de forma premeditada. Puede darle un toque más limpio y minimalista a tu imagen, siempre y cuando hacerlo no distorsione demasiado tu captura. Como ves en estas dos capturas, la exposición varía. La primera está tomada con una ISO de 640 y la segunda con una ISO 800.

#4. Experimenta con Diferentes Velocidades

Da rienda suelta a tu creatividad y prueba a cambiar también la velocidad de obturación. Si fotografías agua, por ejemplo, puedes emplear una velocidad de obturación lenta y mover el líquido para obtener una fotografía con ondas más original. Obtendrás diferentes efectos cuanto mayor tiempo dejes o cuanto más rápido muevas el objeto fotografiado. En el ejemplo del kiwi que hay a continuación puedes observar la diferencia. En la primera captura hemos usado una velocidad de 1/10. mientras que en la segunda hemos movido el kiwi y hemos dejado 1''.

Por el contrario, puedes utilizar velocidades de obturación altas si quieres captar, por ejemplo, la salpicadura de un objeto cayendo en el agua. Así podrás congelar el movimiento y que salga nítido. Eso sí, recuerda que el objetivo puede estar demasiado cerca y se puede mojar mientras realizas estas prácticas, así que ten cuidado.

Sony Slt-A77v - 150.0mm · ƒ/13.0 · 1/250s · ISO 64

#5. Haz Muchas Fotos Cambiando el Centro de Interés

No te limites a realizar una sola foto o centrarte en un solo punto de interés y varía el encuadre. Ve cambiando el ángulo y la perspectiva, busca otras líneas o elementos que sean los protagonistas de la captura. Explora todo lo que puedas el objeto fotografiado y sácale el máximo partido posible.

Haz lo mismo con las luces, cámbialas de posición, colócalas de forma lateral, cenital y usa diferentes focos de iluminación. Si dispones de él, usa un flash anular y las posibilidades que pueda darte, como las luces laterales independientes, o los difusores de colores. Como ves en las fotos, hemos usado primero una luz continua anular fría y otra cálida.

#6. Elige las 3 Mejores Capturas y Procésalas

Una vez pases las fotos al ordenador, dedica un tiempo a mirarlas y hacer una selección de las tres mejores. Aquellas que cumplan los requisitos de no parecer el objeto fotografiado en un primer vistazo, que transmitan por sí mismas y que tengan un centro de interés obvio y nítido.

Ahora procésalas en tu programa de edición favorito, puedes corregir exposición, color o incluso algún error de composición. Incluso, puedes probar con el blanco y negro o por el retoque de color. El objetivo es que al final nos quedemos con una de las tres fotografías editadas. En mi caso, la ganadora ha sido la foto realizada con una bombilla roja y una linterna led de luz fría y el fondo amarillo.

#7. Ponle un Título Atrayente y Original

NIKON D7100 - 60.0 mm f/13 1/5 s ISO 640

Muchas veces, un plato nos parece más apetitoso solo por el nombre tan original y evocador que lo han puesto. Lo mismo pasa con las fotografías, un buen título puede darle significado a la persona que lo observa. A la fotografía de arriba le podríamos poner un título como 'Aterrizaje en Marte' y el espectador pensaría que se trata de cualquier cosa menos de un kiwi.

Si fotografías, por ejemplo, las ondas de un tejido de color aguamarina y pones un fondo azul detrás, puedes perfectamente ponerle un título del estilo: 'Mar en Calma'. El observador mirará la foto pensando que se trata de un paisaje marino, pero si se fija se dará cuenta de que es un tejido y entonces habrá explorado la imagen y descubierto su abstracción.


El Arte de la Macro-Abstracción

Una vez escuché que la fotografía macro era como una micro fotografía de paisajes desconocidos. Creo que eso es exactamente lo que pretende representar la fotografía macro abstracta, mostrarnos un paisaje inédito, inexplorado y virgen. De igual modo que éramos pequeños y nos podíamos quedar observando la entrada de un hormiguero durante media hora seguida, el macro nos devuelve esa sensación.

Después de este caso práctico en casa, toca realizar el próximo reto saliendo al exterior. En ese caso ya no podrás construir la escena, sino buscarla y, a esa dificultad, deberás sumarle otras. Piensa que se producirá un cambio en la luz natural debido al movimiento del sol y/o las nubes y que agentes externos, como el viento, podrán afectar a la nitidez de tus fotos.

¿Te atreves a con la fotografía macro abstracta? Seguro que sí, ¡Practica en casa y no olvides compartir tus pruebas con nosotros!



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miércoles, 3 de enero de 2018

5 Awesome Benefits Of Using A 50mm Lens

Photographers can be pretty geeky about lenses. I know I’ve eavesdropped on and occasionally participated in extended conversations that revolved almost exclusively around various types of lenses and their features — telephoto lenses, zoom lenses, vintage lenses, pancake lenses, lenses with built-in hoods, lenses with image stabilization, lenses with a max aperture of f/0.95. Glass is something photographers think about and talk about constantly. It makes sense I suppose, but how many lenses do you really need? I can’t answer that for you but I do know that regardless of how many lenses you own, you can only use one at a time. If you were to give one lens priority over all others, which would it be? Allow me to make a case for the humble 50mm lens (or its focal length equivalent).

A 50mm Is Versatile And Easy To Travel With

Whether you’re walking through your neighborhood or traveling abroad, a 50mm lens isn’t going to become a burden (unless it’s got a max aperture of f/1.2). A key advantage of the so-called “nifty fifty” lens is that it is relatively inexpensive, small and lightweight. And it’s versatile. You can spend an entire day with this one lens and capture any kind of photo you want, never worrying about having to carry multiple lenses and then stop to swap them in and out each time you encounter different types of subjects.

Photo by Milind Ruparel on Unsplash

A 50mm Is A Good Portrait Lens

It’s not the first focal length photographers suggest when responding to queries about portrait lenses, but a 50mm lens can be a brilliant option. Every reputable lens maker has a quality 50mm with an aperture of f/1.8 or f/1.4, which will help achieve beautiful shallow depth of field. While 50mm is sometimes referred to as a normal lens it might also be considered a short telephoto, making it a worthy candidate for portraits. It’s true you won’t get the same compression effects as you would with a 200mm lens, but a 50mm lens will allow you to incorporate some environmental context into your portraiture.

Photo by Talen de St. Croix on Unsplash

A 50mm Is A Good Landscape Lens

Just as not all portraits need to be shot with a telephoto lens, not all landscapes need to be shot with a wide angle lens. A 50mm lens will work perfectly for landscapes/cityscapes/seascapes. More important than using a specific focal length is knowing how to make the most of whatever focal length you’re using. Doing landscape work with a 50mm lens will allow you to focus on tighter, more detailed scenes that highlight elements that would otherwise go overlooked in wider shots.

Photo by Etienne Bösiger on Unsplash

A 50mm Can Double As A Macro Lens

Nothing beats a true macro lens, there’s no denying it. But just to further demonstrate the versatility of a 50mm lens — take it off, flip it around (so the front element is against the lens mount) and you’ve instantly got yourself a pseudo macro lens. If you want to avoid having to hold the lens against the camera you can purchase a reversing ring — one end screws onto the front of the lens like a filter, the other end attaches to the lens mount. This technique doesn’t give you life-size reproduction but I doubt you’ll be disappointed with the results.

Photo by Arjan de Jong on Unsplash

A 50mm Works Well In Low Light

A 50mm lens that can open up to f/1.8 is far more useful in low light situations than just about any kit lens, many of which are f/3.5 at their widest aperture. Other lenses may feature some sort of image stabilization, a feature that surely serves a great purpose, but you may discover for your style of photography it may be preferable to reduce camera shake with shorter exposures rather than attempting to compensate for it. A larger aperture brings in more light, which shortens exposure time.

Photo by maxime caron on Unsplash

Final Thoughts On The Benefits Of A 50mm Lens

I know, 50mm lenses aren’t all that intriguing on the surface. In fact, they’re pretty simplistic and sometimes leave a lot to be desired in terms of build quality. As far as optical quality goes, however, they are all quite good, which is precisely why this should be one of your first purchases after acquiring any type of interchangeable lens camera. All the other features listed above are just icing on the cake.

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Creating a Wet Plate Collodion Photo in a Portable Darkroom

Adrian Cook is a wet plate collodion photographer based in Sydney, Australia. The Guardian made this 7-minute video in which Cook talks about his background and walks through the wet plate collodion process by shooting a photo of Sydney Harbor.

“I find [with] digital, there’s no surprises,” Cook says. “I spend more time in front of a computer, and that’s not why I started photography. I still love that kind of… not quite sure what you’re going to get.”

Here’s a collection of plates Cook has made over the course of his career:

You can find more of Cook’s work on his website, Twitter, Facebook, and Instagram.

(via The Guardian via ISO 1200)


Image credits: Photographs by Adrian Cook and used with permission



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